ИСТОРИИ LA PRAIRIE: МАЙЛО КЕЛЛЕР
Известный американский фотограф Энсел Адамс говорил, что любую фотографию создают два человека — тот, кто ее снимает, и тот, кто на нее смотрит. Мы живем в эпоху, когда каждый может примерить на себя обе роли. Благодаря смартфонам, приложениям-фоторедакторам и фильтрам фотография в XXI веке перестала быть уделом исключительно профессионалов. Ежедневно мы производим и потребляем мегабайты визуального контента. Но настоящее мастерство и художественное чутье по-прежнему остаются редкостью.
В лозаннской художественной школе Ecole Cantonale d'Art de Lausanne (ECAL) понимают, как важно не только научить студентов определенным навыкам, но и помочь им сформировать собственный стиль. За почти двести лет существования ECAL превратилась в одну из лучших школ искусства и дизайна со своим уникальным инновационным подходом. Компания La Prairie имела уникальную возможность пообщаться с руководителем направления фотографии ECAL Майло Келлером. Он рассказал об эволюции фотографии и о том, что ждет профессию фотографа в будущем.
Келлер рос в творческой среде и с раннего детства был окружен фотоаппаратами, объективами и кассетами с пленкой. Его дедушка часто путешествовал по Азии и Африке, откуда привозил впечатляющие снимки. Но наибольшее влияние на Келлера оказал его отец. Архитектор по профессии, он первым заметил, что сыну нравится играть со светом и тенью. В шесть лет Келлер взял в руки зеркальный фотоаппарат и вскоре обнаружил: фотография — это своего рода визуальный язык, с помощью которого можно выражать мысли и чувства в уникальной, никому не свойственной манере. Сегодня фотограф сам обучает молодые таланты, передавая им секреты мастерства, а с нами Келлер поделился своими мыслями о том, какие перспективы ждут профессиональную фотографию в цифровом мире.
Для вас архитектура стала одним из важнейших источников вдохновения и продолжает формировать вас как худоника. А как вы считаете, влияют ли архитектура и фотография друг на друга?
Архитекторы создавали эскизы-образы задолго до появления фотопленки. Они не были похожи на современные кадры, но во многом эти работы стали предвестниками фотографии, какой мы ее знаем сегодня. И архитектор, и фотограф имеют дело со светом и пространством. Мы обозначаем границы темноты, пытаемся уловить свет и объяснить его сущность. Если это происходит, возникает ощущение трехмерности.
Если вы посмотрите на историю возникновения фотографии, то не сможете обойти вниманием камеру-обскуру, в которой изображение и пространство неотделимы друг от друга. Благодаря таким устройствам фотография и архитектура «росли» и развивались бок о бок.
Само слово «фотография» означает «светопись». Можно сказать, что оба мира — архитектурный и фотографический — связаны этим нематериальным элементом.
Достижения науки оказывали влияние не фотографию на протяжении всей ее истории. Как вы считаете, как именно технологии повлияли на ремесло фотографа, и разделяете ли популярное мнение о том, что они отнимают у фотоискусства что-то важное?
Спор об этом идет с момента создания первого кадра. Фотография, безусловно, началась с науки — с изобретения дагеротипа и инновационных процессов XIX века. С самого начала фотография базировалась одновременно на технологиях и творчестве. Но главный вопрос на самом деле звучит шире: стоит ли признавать фотографию искусством? Долгое время фотография была только ремеслом, которое служило чьим-то нуждам. Но даже тогда появлялись настоящие фотошедевры, которые сегодня находятся в музеях и до сих пор продолжают удивлять и вдохновлять.
В последние годы отношения между технологиями и фотографией стали еще ближе. Они влияют друг на друга, и это открывает новые возможности и пути для исследования фотопроцесса. По сути, фотографировать сегодня значит искать творческий потенциал в новых формах производства снимков. Любой художник скажет вам, что этим можно заниматься бесконечно. Другое дело, что этот процесс безумно увлекателен и ставит фотографию на передовую линию современного искусства.
То есть в то время как мы пытаемся сократить разрыв между стремительно развивающимися технологиями и традициями фотоискусства, вы считаете, что именно он делает процесс создания фотографий таким притягательным?
Да, это то, в чем я убеждаюсь на протяжении всей своей карьеры. Мы в ECAL подчеркиваем, что являемся школой прикладного искусства. Мне нравится этот термин — он позволяет балансировать между искусством и ремеслом, дает студентам (и преподавателям) свободу и гибкость. Мы можем исследовать чье-то видение с разных сторон.
В ECAL мы начинаем с истории развития фотоматериалов и через аналоговую черно-белую фотографию рассматриваем будущее искусства в целом. Студенты учатся использовать фотоаппараты всех размеров и пытаются воссоздать стиль снимков XIX века. Невероятно увлекательно наблюдать, как технические особенности определяют стиль и как много фотография прошлого может предложить в настоящем.
Мы учим студентов разрабатывать темы для черно-белой съемки, проявлять пленку в темной комнате и печатать кадры. И в то же время показываем, как устроена цифровая камера, как использовать программы и приложения, как взаимодействовать с виртуальной реальностью — с теми технологиями, которые появились совсем недавно, но уже всем хорошо знакомы. Эти методы постепенно входят в мир изобразительного искусства и помогают молодым художникам находить свой визуальный язык. Это такое «акробатическое» обучение, в которое вовлечены специалисты из разных областей.
Вы замечаете разницу в том, какой подход в работе выбирают начинающие фотографы по сравнению с именитыми мастерами?
Конечно. Все преподаватели ECAL обладают глубокими знаниями в своей области, но при этом мы многому учимся у наших студентов. Они выросли с мобильными телефонами в руках, с Интернетом и видеоиграми. Для них это естественная среда, что позволяет им легко использовать несколько платформ одновременно. Неудивительно, что все это приводит к появлению совершенно новой эстетики, связанной с цифровым миром, в котором студенты чувствуют себя свободно.
Что, кроме знаний, дает ECAL своим студентам? Вы как-то поддерживаете их после окончания учебы?
В процессе обучения мы приглашаем сотрудников ведущих брендов и журналов фотоиндустрии, а портфолио наших учеников оценивают опытные кураторы. Так студенты учатся общаться с будущими клиентам. Кроме того, мы сотрудничаем с различными культурными институтами, в том числе с галереей C/O Berlin, амстердамским музеем Foam и фестивалем Festival Images Vevey.
В рамках новой программы Master Photography мы участвуем в исследовательских проектах, используя передовые технологии и перенимая опыт у профессоров и признанных мастеров. Вместе мы ищем творческий потенциал в современных методах производства фотографий. Не так давно мы завершили первый исследовательский проект, который назвали Augmented Photography, — он стал знаковым для программы Master Photography.
Кроме того, мы стараемся активно путешествовать. Вместе со студентами мы побывали на Кубе, в Рио-де-Жанейро, Нью-Йорке и Токио. Мы не пропускаем ежегодные крупные события индустрии, такие как арт-ярмарка Paris Photo в ноябре и Photo London в мае. Часто в рамках ярмарки мы организуем собственные выставки, где нынешние студенты встречаются с выпускниками и вместе проводят время на этом большом празднике, посвященном фотографии.
Что, по-вашему, ждет фотографию в будущем?
Я искренне надеюсь, что мои студенты найдут свое место в мире фотографии и всего, что с ней связано. С каждым годом я все больше убеждаюсь, что в XXI веке профессиональное будущее учеников, как и концепция обучения в целом, должно выходить за рамки традиционной фотографии и находить больше связей между искусством и ремеслом. Это значит, что нужно обеспечить плавный переход от изображений, сгенерированных компьютером (CGI), которые созданы на виртуальных просторах, — к реальности. Я предвижу, что в фотографии возобладают прогрессивные и даже революционные взгляды в противовес традиционному подходу. Это так или иначе произойдет, я уверен. На выставках я вижу работы, которые иллюстрируют мое мнение и создают вдохновляющую перспективу.
Какой совет вы бы дали подрастающему поколению фотографов, учитывая ваш опыт, мысли и чувства?
Очень простой: будьте собой. Пусть вас не тормозит желание угодить клиенту или куратору. Сконцентрируйтесь на поиске стиля — он есть внутри каждого художника. Исследуйте свой творческий потенциал, создайте собственный художественный словарь и начните говорить на этом языке. Если вы будете ориентироваться на других, рискуете потерять индивидуальность и интерес к работе. Так что мой совет достаточно определенный: формируйте собственное видение.